“L’opera dal titolo Fabbrisol consiste in un nebulizzatore modificato e dipinto a mano. La decorazione nasce da una reinterpretazione dei vari barattoli di Amarena in commercio; lo sciroppo di Amarena verrà nebulizzato nell’aria, sarà perciò possibile sentirne il profumo […]. La diffusione è regolabile da un minimo al massimo della potenza. L’opera necessita di corrente elettrica e, ovviamente, del riempimento del serbatoio con lo sciroppo di Amarena diluito. Prevede l’esposizione su un piedistallo.” Così Gaia Scaramella spiega la sua opera che accende i sensi, non limitandosi allo sguardo, che pure viene immediatamente catturato dalla bellezza della forma.

Un bambino in primo piano tiene in mano la sua biglia colorata ed è intento a guardarla da una buona prospettiva. L’opera è dipinta con un tono prevalentemente azzurro (Amandine Samyn ama molto Beato Angelico, i suoi cieli, le sue volte, la veste blu della Vergine). C’è un solo punto di rosso: solo a uno sguardo attento ti accorgi che non è dipinto, che lì c’è un foro. E che quella non è una biglia, maun’Amarena. Se il Ragazzo con le ciliegie di Edouard Manet guardava lo spettatore con il suo mucchietto di frutta sul parapetto, questo fanciullo è ritratto in un gioco che lo vede autosufficiente. Non è in posa ma in corsa.

La resina è il materiale privilegiato da Barbara Salvucci. In molti suoi lavori è trasparente ed essi serbano tracce di stoffe, fiori, elementi naturali come fossero fossili. In quest’opera, costruita come una grande acquasantiera, la resina è bianca. Se lavori simili, esposti tra l’altro alla Temple Gallery a Roma nel 2013, dalle forme che assomigliano a un sudario, contenevano miele, per il nostro Premio l’opera custodisce il frutto Fabbri, fonte di Gaudio. E infatti la decorazione è un frammento di quella del celebre vaso donato da Gennaro alla moglie Rachele.

Partendo dal colore delle amarene, Marina Sagona ha scelto il rosa e il rosso per creare i suoi piccoli quadrati che singolarmente mostrano delle decorazioni astratte cromaticamente vivaci e suggestive: linee, arabeschi, cerchi. Si tratta in realtà di un unico puzzle, una costruzione complessa che si snoda sulla parete a formare il nome della ditta Fabbri.

“La fotografia che propongo contiene diversi elementi che ricorrono nel mio lavoro. Il divano discreta presenza e ‘fil rouge’ che appare da una quindicina d’anni.
Lo scarabeo che in questa nuova immagine fa incontrare nel 1915 La metamorfosi di Franz Kafka e l’elaborazione della ricetta delle amarene di Rachele Fabbri. Il pesce rosso, simbolo di ricchezza e di riuscita di un’impresa familiare. Tutto il lavoro è stato realizzato senza l’ausilio di Photoshop.”
S.R.

Un lavoro di ombre proiettate e moltiplicate quello di Francesca Rao. Ecco la doppia sagoma di un vaso che noi sappiamo essere quello della Fabbri, in bianco e nero, linguaggio con cui l’artista si è già espressa diverse volte. Sul fondo ci sono due profili, uno maschile e l’altro femminile che si avvicinano perché l’amore genera amore. Sono proprio queste figure, oltre alla scelta monocroma, ad allontanare lo scatto nel tempo, a elargirgli un’aria anni cinquanta, come se l’immagine riemergesse dalla memoria o fosse un frame di un vecchio film.

“Non potrei creare un’opera che descriva il mondo esterno, perché la descrizione non è tra i miei obiettivi. Quello che voglio fare non è parlare del mondo ma farne parte”, ha dichiarato in una recente intervista Nazzarena Poli Maramotti. È questa la ragione per cui la sua pittura si muove tra realtà e astrazione, cogliendo l’attimo, la fugacità delle cose, il loro continuo divenire, come se tutto cambiasse nel momento stesso in cui l’occhio dell’artista vi si posa. Succede così anche in questo Carosello dal movimento circolare e vibrante che certamente non parla del mondo. Ma ne fa parte.

Una dolce esplosione quella messa in scena da Luana Perilli. Questi oggetti scultorei sembrano voler invadere la parete con il loro contenuto rosso. La Perilli realizza opere di intelligente ironia. È affascinata dall’organismo sociale dei formicai, dall’organizzazione perfetta che i piccoli animali sono capaci di realizzare e anche di insegnare a chi li osserva. A questo tema ha dedicato molti lavori. E anche la nostra opera, apparentemente lontana per tematica e realizzazione, è costruita in un modo simile: ogni piccola scultura sembra avere un cuore pulsante, l’insieme dell’installazione non è statico, tutto si muove, ogni cosa cambia. Bisogna guardare e apprendere.

Questa volta il vaso della Fabbri è rovesciato sulla testa di una bambina che, probabilmente, ne ha appena finito il contenuto. Ma il gioco, nello scatto di Alice Pavesi Fiori, si trasforma in qualcosa di misterioso: l’oggetto nasconde un volto impedendo a chi guarda una completa conoscenza dell’immagine che ha di fronte. Com’è questa bambina? Come saranno i suoi occhi, i suoi capelli, i lineamenti? Chi potrebbe riconoscerla? C’è un elemento surreale che modifica un contesto apparentemente realistico. Il contrasto è reso ancora più potente dalla nitidezza dell’immagine, rara nel lavoro dell’artista. Le sue fotografie, come nel caso della serie Attese, sono infatti solitamente sbiadite, come allontanate nel tempo, e assumono una connotazione pittorica che qui è completamente esclusa.

Un video leggero e incantato quello di Giulia Palombino, un’animazione in bianco e nero, con un tocco di Amarena. Il frutto è evocato nella stufa in cui la si immagina a cuocere, è raccontato dal colore e nella forma dei capelli della protagonista che deve prendere le misure per preparare il suo dolce prelibato. E poi compare svolazzando per raggiungere una torta con le gambe e tre pasticcini da decorare. È un viaggio che finisce con una degustazione: l’Amarena in bocca. Esiste un luogo più adatto?

Menzione speciale a Maria Elisabetta Novello per l’originalità della sua opera, che ha bisogno della partecipazione del visitatore invitato a un vero e proprio viaggio pieno di suggestioni.

“Quando penso alla Fabbri e alle sue amarene, subito la mia memoria si catapulta in una dimensione fiabesca. Questi succosi ricordi fanno parte del passato di mia madre, così come della mia infanzia e continueranno poi nella memoria di qualche bambina di oggi. Il vaso bianco e blu che Gennaro Fabbri regalò alla moglie Rachele rappresenta l’idea del dono. Il fatto di consegnare qualcosa nelle mani di un altro, rimanda all’idea del frutto come nutrimento, che racchiude in sé il seme, simbolo di diffusione. Ed è questa ciclicità, il tempo, che m’interessa. Così ho pensato di realizzare un piccolo racconto da scrutare attraverso una View Master, primo sistema di visione 3D, oggetto culto degli anni ’50, legato anche alla mia infanzia, ritrovato e riadattato per poter raccontare una personale favola. All’interno del piccolo disco, rotondo a indicare la ciclicità e in continua rotazione, scorreranno le immagini, come a voler dare l’idea di un percorso inteso come processo di crescita e di evoluzione che si ripete nel tempo.” M.E.N.

I soggetti privilegiati dai dipinti di Isabella Molard sono giardini, patii, luoghi rasserenanti, spesso protetti da una ricca vegetazione. Anche in questo caso ha scelto di rappresentare un luogo in cui chiunque amerebbe stare, sovrapponendo le immagini dei vasi che contengono le amarene, i frutti, presenti in abbondanza, a quelle di un antico edificio circondato dal verde. Tutto è deserto ma chi guarda può fantasticare la presenza umana: bambini che arrivano ad assaggiare le prelibatezze in primo piano, uomini e donne che lavorano seguendo la ricetta scritta sul libro aperto sulla destra del cerchio che inquadra parte della composizione.

Un paesaggio di ombre e nebbia, piovoso e grigio su cui si staglia, come fosse un armonico edificio bianco, la sagoma del vaso delle Amarene Fabbri. Kaori Miyayama ha scelto un mondo quasi interamente monocromo che si trasforma sotto i nostri occhi in qualcosa di luminoso. A differenza di quello che accade di solito, non si è lasciata sedurre dalla decorazione e dai colori del contenitore delle amarene, scegliendo di concentrarsi esclusivamente sulla particolarità della sua forma. Ad accendere la scena è un ricamo dorato e, come sempre nel suo lavoro, tutto è dominato dalla trasparenza, dalla levità, dalle sovrapposizioni di elementi che non hanno peso. Anche il retro del dipinto è coperto dagli stessi segni, come se a lei non fosse stato possibile, dopo averlo messo in moto, interrompere questo flusso che incanta e avvolge lo sguardo.

Menzione speciale a Chizu Kobayashi per il suo Dolce Stil Novo, raffinata elaborazione del vaso delle amarene Fabbri in un materiale come il ferro lei alleggerisce e utilizza come se, magicamente, disegnasse nell’aria. Cosa contiene il vaso della Fabbri nell’opera di Kobayashi? La leggerezza. Giapponese che ha studiato nel suo paese e adesso vive in Italia, Chizu lavora disegnando il mondo. A suo modo. Con un filo di ferro nero che utilizza come fosse una matita. I suoi segni incantati trattengono il vuoto, elemento fondamentale nella cultura visiva del suo Paese che fa bene allo sguardo. A interrompere il bianco e nero di quest’opera è soltanto il rosso dell’Amarena in bocca al piccolo uccellino.

Balaustre, archi, finestre separano lo spazio dei dipinti di Ana Kapor da quello della realtà. L’artista è nata in Serbia ma è dal 1983 che vive in Italia perché qui c’è la pittura che ama. Anche in questo caso sul fondo c’è un tipico paesaggio del nostro Paese circondato da un’apertura che, pur allontanandolo, ce lo incornicia facendocelo riconoscere come elemento familiare. In primo piano un contenitore, quello della Fabbri, che conserva alcune biglie e sul bordo della finestra tre amarene che appaiono come simboli. Non c’è nessuno, come sempre succede nei suoi lavori, il tempo è sospeso, ma chi guarda può immaginare qualcuno che ritorna, un bambino di cui si fantasticano i giochi solitari.

Affascinata dal paesaggio, Alessandra Giovannoni ha scelto anche questa volta di inquadrare una strada, quella in cui sorgono gli uffici della Fabbri. I colori sono quelli tipici dell’artista: gli ocra con cui solitamente ritrae la sua Roma e l’azzurro tipico delle sue marine. Il grande vaso delle amarene dà il tono alla composizione. La pittura della Giovannoni non dettaglia mai e anche in questo caso costruisce l’immagine, soprattutto sul fondo, a macchie di colore dominate dalla luce.

Da quando è nato il Premio Fabbri gli artisti hanno utilizzato il celebre vaso nei modi più diversi. Tamara Ferioli lo ha trasformato nel mondo. Sulla sua sagoma ne ha infatti disegnato la mappa, utilizzando il bianco e l’azzurro, colori della decorazione Fabbri, ma anche del mare. Un mappamondo pieno di amarene sarebbe una soluzione ai tanti mali che affliggono il pianeta. Una bella lezione di geografia.

Piccola e preziosa natura morta quella pensata da Francesca Ceccarelli per il Premio Fabbri. 

È proprio il vaso delle amarene a darne toni e timbri: la fila di tazze di porcellana impilate sulla sinistra e la piccola ciotolina sono anch’esse bianche e azzurre. Il cucchiaino in primo piano ha il compito di creare un rapporto tra lo spazio del dipinto e il luogo dello spettatore. E ha un vero e proprio ‘gemello’ in quello appoggiato, poco più dietro, all’interno del contenitore, dove appare l’unico elemento che interrompe il cromatismo della composizione: un tono caldo e una sottile linea rossa che evoca il colore del frutto in questione.

Premio per la fotografia all’unanimità all’opera di Gea Casolaro per la potenza visiva con cui ha saputo scavare nell’archivio della memoria, dando spazio al lavoro dell’uomo, anzi in questo caso delle donne, coniugandolo con l’armonia della natura rispettata, dando vita a una nuova, possibile Alchimia. Il trittico di Gea Casolaro inquadra al centro i fiori delle amarene da cui nasce l’avventura che oggi festeggia cento anni e ai lati, in un’immagine ripetuta, come in uno specchio, due delle protagoniste che l’hanno resa possibile dietro le quinte: le operaie della Fabbri in una foto d’epoca. Questo montare immagini tratte da contesti diversi è tipico di tutto il lavoro dell’artista. Uno dei cicli più affascinanti, intitolato Visioni dell’Eur, unisce architettura del quartiere romano, vita quotidiana e immaginario cinematografico.
Drammatica, e nello stesso tempo poetica, era la videoinstallazione Ai caduti d’oggi, dedicata ai morti sul lavoro, esposta a Roma, in occasione della riapertura di Palazzo delle Esposizioni, dove un operaio aveva davvero perso la vita. Qui si sorride, ma ugualmente la Casolaro rende possibile una celebrazione lirica e priva di qualsiasi retorica delle molte donne che hanno realizzato in grande l’idea di Rachele. Un lavoro che sicuramente lei avrebbe apprezzato.

L’Amarena Fabbri compie cento anni ma per molte delle artiste invitate in questa occasione ha l’età della loro infanzia. Realizzare un’opera per la mostra ha significato anche per Anna Caruso un viaggio nella memoria. Da qui arrivano le immagini in bianco e nero che compongono la sua composizione pittorica, costruita prevalentemente sui toni freddi dell’azzurro e dei verdi. Colori definiti dall’elemento-fulcro della tela: il vaso bianco e blu, che in questo caso è rovesciato. L’artista lavora sulla stratificazione delle immagini e anche qui si è mossa in questo modo, tra spazio onirico e ricordo. “Il più bel sogno fu il sogno non sognato” come nella canzone di Francesco De Gregori.

Il Pomeriggio della napoletana Iole Capasso è caravaggesco. La figura femminile allo specchio, di cui vediamo soltanto una porzione di volto, è ritratta davanti a una finestra aperta su un muro spoglio. Un fondo neutro: il tipico sfondo che Caravaggio destina ai protagonisti delle sue opere, come ad esempio alla Maddalena o a Narciso evocati entrambi da questa immagine. Anche i tagli di luce provengono dalla stessa fonte. C’è un solo oggetto che accompagna lo specchio: il vaso delle Amarene Fabbri, bianco e blu come lunga cintura che chiude la veste della ragazza. Dello stesso colore del frutto.

La fotografia che inquadra la celebre decorazione del vaso delle Amarene Fabbri incorniciata ad angolo diventa tridimensionale grazie a quel cuore rosso, che sembra alludere al colore delle amarene, realizzato con intervento a kirigami, tecnica orientale di intaglio e piegatura della carta già utilizzata dall’artista. In questo modo l’opera pare trasformarsi in una composizione di antiche mattonelle in maiolica, quelle che in napoletano si chiamano ‘riggiole’, capace di tenere insieme due culture lontane che rivelano tutta la loro potente bellezza senza entrare in conflitto. Una nuova armonia poetica è alla base del lavoro della Camporesi anche quando inquadra paesaggi, ex carceri abbandonate, edifici, la sua particolare interpretazione di Ofelia o di Michelangelo Antonioni.

È davvero una ragazza particolare la protagonista di questo storyboard ideato da Silvia Argiolas: i suoi seni sono amarene e la testa è il vaso ideato dalla Fabbri per contenerle. Il suo aspetto e quello di chi le sta intorno sono quelli di idoli che sembrano mettere in scena una serie di riti in cui lei appare come l’unica nota di colore nell’oscurità. Non è inusuale nel lavoro dell’artista la componente installativa dei dipinti e dall’amore per il cinema deriva questo bisogno di mettere in movimento, attraverso immagini che si susseguono, una vera e propria storia.

Celebre soprattutto per le sue opere in plastica riciclata, Enrica Borghi realizza anche delle fotografie che chiama Fetish Food in cui veste con pizzi, orecchini, slip, calze a rete, pere cotte, cosce di pollo, pasticcini. L’abito che ha creato in quest’occasione per i suoi dolci all’Amarena è di merletto nero. Sul fondo ecco l’immancabile vaso bianco e blu. E con il titolo si gioca sulla contraddizione che, nella nostra lingua, esiste tra il verbo e l’aggettivo plurale: amare. Ma, grazie ai puntini di sospensione, sappiamo che basta una desinenza per far diventare quella stessa parola un nome comune, il nostro: Amarena.

Premio per la scultura a Marisa Albanese per la coerenza del lavoro, Combattenti faentine, realizzato in occasione del Premio, in cui si ritrovano le tematiche consuete al suo immaginario, declinate con grazia e sapienza secondo le esigenze del tema proposto.

Nella stazione Quattro giornate della Metropolitana di Napoli s’incontrano le Combattenti di Marisa Albanese, sospese, immobili, assorte. Le abbiamo viste poi in diversi luoghi, come ad esempio ai Fori Imperiali durante la mostra Postclassici. La nostra sembra tenere tra le mani qualcosa di invisibile e ha ‘tatuate’ sulle braccia e sulle gambe tracce della decorazione bianca e blu del vaso delle Amarene Fabbri. Queste bianche donne create dall’artista, con i loro caschi che le proteggono e, nello stesso tempo, le allontanano proiettandole in chissà quale futuro, sono figure lontane, ieratiche, malinconiche. Le immaginiamo vittoriose perché ne riconosciamo la potenza e l’energia ma la Albanese le ritrae quando la battaglia è finita. Proprio come Donatello che, nel rappresentare il David, non lo inquadra mentre combatte ma subito dopo. E gli riconosce una sottile mestizia. Perché ci sono molti modi di incassare anche un trionfo.